House come Holmes, fino in fondo. Sin dagli albori della sua fama italiana avevamo accennato al debito creativo dovuto dagli autori di House, M.D. al baronetto Arthur Conan Doyle, padre dell'investigatore più famoso della storia della fiction; in occasione della dipartita televisiva della serie, ritorniamo sull'argomento, tentando di rispondere alla domanda con la quale si concludeva il precedente approfondimento: gli autori avranno il coraggio di “liberarsi” della loro creatura prima che nella storia si sia esaurita ogni spinta vitale?

Dopo otto stagioni di alterne fortune, i primi significativi scricchiolii nei rating televisivi USA hanno convinto David Shore ed i suoi collaboratori a staccare definitivamente la spina ad una serie che ormai da anni vegetava solo grazie al carisma del suo protagonista, Hugh Laurie.
I problemi dello show erano radicati in profondità: l'inatteso successo di pubblico ottenuto dal serial sin dalle prime stagioni costringeva in una “prigione” dorata autori e cast, a cui veniva chiesto (e lautamente remunerato) lo sforzo di stiracchiare sino all'inverosimile la longevità di un prodotto ormai vincente ma privo di una reale prospettiva narrativa; al contrario di altri serial decennali (CSI su tutti) ad House non era infatti concesso quel rinnovamento in termini di personaggi e situazioni che di norma contribuisce a tenere in piedi svariati baracconi della tv via cavo statunitense.
Allo stesso tempo il “format” – un singolo caso medico per episodio, insufficienti sottotracce “orizzontali” pronte a dipanarsi durante tutta la stagione – pur efficacissimo nel breve periodo, rendeva schiavi di un processo analitico sempre uguale a se stesso, in cui dopo un determinato tempo di bagarre il luminare sarebbe giunto alla diagnosi di una malattia particolarmente rara, fulminato da una epifania.
In questo contesto diviene più facile intuire l'obbiettivo del forzato crescendo di colpi di scena che durante gli anni ha contribuito a tenere sveglia ciò che restava dell'attenzione degli spettatori: ecco che il povero Laurie si trova a dover affrontare i suoi problemi di dipendenza da Vicodin (e relative allucinazioni), a sopportare la permanenza coatta in un manicomio stile Qualcuno volò sul nido del cuculo e persino a scontare settimane di reclusione in un penitenziario statale, misure estreme ma necessarie a giustificare dei finali di stagione sempre più irrazionali (e talvolta persino imbarazzanti).

L'idea di fondo degli autori si era trasformata in una sorta di maledizione, poiché li lasciava in balia di fan ed interessi economici (proprio come il loro “mentore” Conan Doyle); non sorprenda dunque che proprio come lo scrittore scozzese abbiano scelto di sbarazzarsi dell'ingombrante protagonista nel modo meno definitivo possibile. Nel caso di Sherlock Holmes neanche la prima “uccisione” fu sufficiente, perché il suo eroico sacrificio in The Final Problem non soddisfò i numerosi aficionados dell'epoca, costringendo Conan Doyle a garantire all'investigatore una repentina resurrezione oltre a numerose altre avventure prima di un sereno e più “nebuloso” pensionamento da apicoltore. Shore e colleghi hanno scelto di condensare nell'ultimo episodio tale tumulto creativo, facendo morire e poi tornare a nuova vita il loro eroe nel giro di una decina di minuti, a coronamento di una stagione finale (l'ottava) che aveva già evidenziato definitivi segnali di smarrimento. Dopo l'ennesima pseudo-rivoluzione del cast – come sempre dovuta a ragioni pratiche come i compensi degli interpreti più che allo sviluppo della storia – s'era infatti arrivati alla estrema ratio di sacrificare l'indispensabile “spalla” Wilson (Robert Sean Leonard) pur di garantire gli ultimi minuti di vitalità ad uno sviluppo ormai anestetizzato; questa scelta però divenuta boomerang aveva finito col conferire alle ore conclusive dello show un'atmosfera melanconica, persino macabra, nella quale non sarebbe stato oggettivamente sostenibile accomiatarsi dall'adorato misantropo.

Nella loro scelta finale, pur figlia di numerose decisioni discutibili, gli autori hanno paradossalmente ritrovato la primigenia lucidità, onorando il debito creativo nei confronti dell'avo Holmes; così l'epilogo è stato "salvato" proprio quando era ad un passo dal crollo definitivo, come l'edificio in fiamme nel quale House pronuncia quello che sembra essere il suo ultimo monologo, accompagnato da una (perdonabile) carrellata autoreferenziale di interpreti/personaggi delle stagioni passate.
All'attore Hugh Laurie viene concesso poi l'ultimo privilegio: uno dei suoi amati blues (Enjoy Yourself, di Louis Prima) conclude l'avventura, spodestando l'atteso You can't always get what you want degli Stones. Peccato solo non averlo sentito con un paio di anni d'anticipo.



Per l'approfondimento: Da Joseph Bell a Gregory House, passando per Sherlock Holmes

(To Rome with Love)
Woody Allen, 2012 (Italia, Spagna, USA), 111'
uscita italiana: 20 aprile 2012
voto su C.C.

Un vigile capitolino (Zampa perdonali perché non sanno quello che fanno) è pronto a raccontarci dal suo podio quattro storie ambientate in una Roma da cartolina (per turisti americani). C'è Alec Balwin che fa da cicerone tra i dilemmi sentimentali dell'aspirante architetto Jesse Eisenberg, diviso in un episodio quasi rohmeriano tra l'angelica fidanzata Greta Gerwig e la sua affascinante nemesi Ellen Page; c'è Woody Allen insoddisfatto pensionato che tenta di rovinare l'idillio tra la figlia Alison Pill e il compagno Flavio Parenti con le sue ambizioni da impresario; c'è la coppia di sposini immacolati (Alessandro Tiberi-Alessandra Mastronardi) che vacilla di fronte alle tentazioni della Capitale (incarnate da Penelope Cruz e dal “sex symbol !” Antonio Albanese); infine c'è l'eterno Roberto Benigni, pronto a scoprire come un'inspiegabile e subitanea notorietà possa trasformarsi in incubo dorato.

Il consiglio, spassionato, che viene voglia di dare a tutti gli adoranti seguaci del culto alleniano è quello di stare a debita distanza da To Rome with Love, per il loro bene. Pur temprati dalle numerose produzioni mediocri intercalate tra i capolavori memorabili del genio newyorkese, difficilmente potrebbero reggere questo impasto di cliché e comparsate (ancora più lampante agli occhi di noi italiani), in cui le poche risate annegano in un mare magnum di luoghi comuni. Tra una canotta bianca sporca di sugo e una Vespa che spunta in ogni viale, le storie si dipanano con poca convinzione, quasi fossero il compitino del primo anno di uno studente di sceneggiatura – ammesso che esista qualcosa di simile. Oltre ad alcune, rare, idee brillanti, l'unica trama di un qualche interesse è quella nobilitata dal terzetto Eisenberg-Page-Gerwig: sebbene poco originale si mantiene infatti a sufficiente distanza dalla demagogia che inonda (per restare in tema) il resto del film; persino Benigni sembra ridotto a caricatura di se stesso, imbrigliato in una vicenda con pochi spunti e quindi lasciato zompettare, nel finale, quasi come risarcimento per aver tenuto a freno per due ore la sua proverbiale energia.
L'impressione è che Allen abbia trattato questo film con la stessa superficialità con la quale i suoi connazionali spesso vivono i soggiorni nel Belpaese, accontentandosi di vedere la realtà italiana filtrata da un diabolico prisma che ne annulla ogni sfumatura. Per l'amore che gli dobbiamo dopo anni di gioie, faremo finta di nulla.

Da dimenticare.

J.C. Chandor, 2011 (USA), 109'
uscita italiana: 18 maggio 2012

voto su C.C.

Margin Call sbarca nelle sale italiane con tempismo sardonico, proprio nella settimana in cui un presunto “squalo” del colosso finanziario Jp Morgan ammette di aver bruciato miliardi di dollari con qualche scommessa troppo azzardata. Il film ci trasporta nell'interminabile notte del 2008 in cui un gruppo di colletti bianchi (Kevin Spacey, Paul Bettany, Zachary Quinto, Penn Badgley) si rese conto di quanto il giochino dorato che avevano piegato a loro piacimento durante gli ultimi decenni fosse vicino a collassare; è un giovane ingegnere aerospaziale (passato alla finanza perché pecunia non olet) a scoprire con qualche ora di calcoli le magagne nascoste dietro il barocco algoritmo che sembra reggere i destini dell'intero sistema borsistico: per sopravvivere sarà necessario liquidare tutto il patrimonio della compagnia, non importa quali conseguenze questo abbia sul mercato. Si salvi chi può.

J.C. Chandor, all'esordio da regista-sceneggiatore, affronta la vicenda con piglio che ce lo farebbe immaginare specialista in thriller: l'oscuro MacGuffin fonte di preoccupazione per tutti questi ingellati milionari resta infatti tale per buona parte del film, avvolto nella misteriosa nube di numeri e paroloni che solo un “bocconiano” potrebbe diradare. Persino i protagonisti del film, sempre pronti a scaricare il problema verso un gradino più in alto della loro piramide, spesso mendicano una spiegazione “in parole povere” circa la natura del problema, di quelle che anche un bambino o un cane potrebbero comprendere – non passi inosservata la nota di sarcasmo, che serpeggia clandestina durante tutta la narrazione. Pur trattandosi di una catastrofe “virtuale” (agli occhi di noi ignari cosa c'è di meno radicato nella realtà quotidiana del mercato azionario), l'imprevisto disastro incombe sui personaggi con inatteso pathos: Chandor riesce brillantemente a trarre da un argomento all'apparenza noioso linfa vitale per uno sviluppo quasi d'azione, lasciando al suo ottimo cast – in cui agli affermati nomi hollywoodiani (c'è spazio anche per Stanley Tucci, Jeremy Irons e Demi Moore) sono affiancati un paio di volti nuovi pescati dai serial tv – l'arduo compito di rendere degni d'empatia individui nei confronti dei quali non manca un implacabile giudizio morale.

Indipendente nelle idee più che nei mezzi, Margin Call si dimostra all'altezza delle più apprezzate produzioni americane sul tema.

Attuale.