a cura di Emanuele P. (del 06/02/2010 @ 19:23:43, in Al Cinema, linkato 69 volte)
An Education (An Education) Lone Scherfig, 2009 (Gran Bretagna), 100' uscita italiana: 5 febbraio 2010 voto su C.C.
Nick Hornby aveva un debito nei confronti del Cinema dall'epoca in cui dette in pasto ad Hugh Grant il suo About a boy e pare che finalmente l'ottimo autore inglese si sia deciso ad onorarlo, adattando con grande intelligenza il memoir di Lynn Barber, An Education. Ambientata nei primi anni sessanta, è la storia di una sedicenne (interpretata magistralmente da Carey Mulligan) che sembra avere come unico obbiettivo nella vita la proverbiale ammissione ad Oxford fin quando non diviene vittima (più o meno consapevole) delle attenzioni di un uomo molto più anziano di lei (Peter Sarsgaard), un terremoto che crepa il suo grigio ma sino a quel momento granitico futuro.
Nonostante il soggetto complesso (c'è forte la sensazione che, moralismo gratuito a parte, molto di ciò che vediamo sia terribilmente “sbagliato”) la regista danese Lone Scherfig riesce a mettere in scena con grande delicatezza e sottile humor le disavventure vissute dalla capacissima Carey Mulligan; tutto il film ha infatti come fulcro la perfetta interpretazione della ventiquattrenne inglese (già nelle sale in questa stagione con Public Enemies e Brothers e destinata ad un più che discreto futuro nell'entourage della Hollywood pseudo-indipendente) che al tempo stesso si dimostra incredibilmente ingenua ma brillante e colta, imprigionata nella vita tutta conformismo e savoir-faire che i genitori (Alfred Molina e Cara Seymour) hanno costruito per lei. È perciò dirompente l'ingresso in questo mondo definito e “britannico” per definizione del playboy quarantenne, truffatore di professione, che frequenta i night club più esclusivi, accompagna la ragazza al cinema e ai concerti, le fa persino visitare l'amata Francia per la prima volta – nonostante il padre guardi con disprezzo ed addirittura terrore il Continente. Solo grazie all'ispirata vena di Hornby la storia riesce ad essere, nonostante tutto, divertente e “leggera” nelle giuste proporzioni, lasciando allo spettatore il compito di interpretare ciò che vede. Manca infatti quel giudizio morale che avrebbe contraddistinto un registro più serioso (ma non più efficace) così come in parte manca la tanto temuta redenzione che avrebbe privato l'intera storia di tutto il suo significato.
An Education sembra essere l'ennesima dimostrazione che una ottima sceneggiatura ed attori in parte siano più che sufficienti a supportare una regia nel migliore dei casi accademica; purtroppo si tratta di ciò che manca nella maggior parte dei casi quando si parla dell'amato Cinema nostrano.
Sono state rese note oggi le nomination per i premi Oscar, che verranno assegnati il 7 marzo. Senza troppe sorprese, Avatar raccoglie il maggior numero di preferenze (9) così come l'apprezzato The Hurt Locker; ben 8 le nomination ai Bastardi senza gloria di Tarantino che distanziano Up in the air (6), Precious (6) e Up (5). Sorprendono invece, positivamente, le 4 assegnate a District 9 e quella per miglior film a The Blind Side. L'Italia sarà rappresentata dal padovano Alessandro Camon, co-autore della sceneggiatura della pellicola The Messenger.
Ecco l'elenco completo delle nomination.
Best Picture
“Avatar” “The Blind Side” “District 9” “An Education” “The Hurt Locker” “Inglourious Basterds” “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” “A Serious Man” “Up” "Up in the Air”
Directing
“Avatar” James Cameron “The Hurt Locker” Kathryn Bigelow “Inglourious Basterds” Quentin Tarantino “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” Lee Daniels “Up in the Air” Jason Reitman
Actor in a Leading Role
Jeff Bridges in “Crazy Heart” George Clooney in “Up in the Air” Colin Firth in “A Single Man” Morgan Freeman in “Invictus” Jeremy Renner in “The Hurt Locker”
Actor in a Supporting Role
Matt Damon in “Invictus” Woody Harrelson in “The Messenger” Christopher Plummer in “The Last Station” Stanley Tucci in “The Lovely Bones” Christoph Waltz in “Inglourious Basterds”
Actress in a Leading Role
Sandra Bullock in “The Blind Side” Helen Mirren in “The Last Station” Carey Mulligan in “An Education” Gabourey Sidibe in “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” Meryl Streep in “Julie & Julia”
Actress in a Supporting Role
Penélope Cruz in “Nine” Vera Farmiga in “Up in the Air” Maggie Gyllenhaal in “Crazy Heart” Anna Kendrick in “Up in the Air” Mo’Nique in “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire"
Writing (Adapted Screenplay)
“District 9” Written by Neill Blomkamp and Terri Tatchell “An Education” Screenplay by Nick Hornby “In the Loop” Screenplay by Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire” Screenplay by Geoffrey Fletcher “Up in the Air” Screenplay by Jason Reitman and Sheldon Turner
Writing (Original Screenplay)
“The Hurt Locker” Written by Mark Boal “Inglourious Basterds” Written by Quentin Tarantino “The Messenger” Written by Alessandro Camon & Oren Moverman “A Serious Man” Written by Joel Coen & Ethan Coen “Up” Screenplay by Bob Peterson, Pete Docter, Story by Pete Docter, Bob Peterson, Tom McCarthy...
a cura di Emanuele P. (del 30/01/2010 @ 11:27:02, in Anteprime, linkato 70 volte)
Brevi interviste con uomini schifosi (Brief Interviews with Hideous Men) John Krasinsky, 2008 (Usa), 80’
Temevo questo momento. Il giorno in cui un giovane e supponente “autore” del cinema americano, probabilmente indipendente, avrebbe proposto nel pieno di un acceso brainstorming qualcosa tipo “ideona! che ne dite di un bel film tratto dai racconti di David Foster Wallace?”.
La brillante idea (considerata tale solo dai pochi incapaci di apprezzare l’assoluta genialità di DFW) è venuta a mr John Krasinsky , un attorucolo alla prima da regista, forse conosciuto per il serial tv The Office nel quale mostra da numerose stagioni il suo enorme faccione tipicamente americano.
La scelta di Brief Interviews with Hideous Men come raccolta di racconti dai quali trarre un film, mette in luce la presenza di un vero e proprio masochismo latente nelle intenzioni del povero Krasinsky, che si ritrova fra le mani un insieme confuso ed eterogeneo di istantanee sul mondo maschile (raccolte più o meno sapientemente da Wallace sotto forma di questionario), prive di un comun denominatore diverso dalla spregevolezza innata del nostro genere. Per questo il giovane americano si affanna a costruire un ipotetico fil rouge tra i vari episodi, rappresentato dall’approccio non convenzionale di una ragazza (Julianne Nicholson) ad una ricerca accademica sul femminismo, e si concede la licenza di inventare ulteriori “interviste” non presenti nella raccolta originale. Infine, con un tocco di egocentrismo che non passa inosservato, si ritaglia un personaggio cruciale nello sviluppo degli eventi (il protagonista della B.I. #20, vero e proprio capolavoro di DFW), interpretando da par suo quello che nelle intenzioni avrebbe dovuto essere l’illuminante finale della pellicola.
Ne esce però fuori solo uno sconclusionato ed a tratti estenuante susseguirsi di individui disgustosi, che perde ogni significato con la sua trasposizione cinematografica; nonostante Krasinsky provi ad utilizzare un paio di scaltre trovate stilistiche per ravvivare la narrazione (il momento migliore del film è probabilmente il segmento in “finto-flashback” nel quale recita Christopher Meloni) diventa evidente la fatica fatta per riempire gli ottanta minuti di pellicola. Alcune delle B.I. scelte non hanno alcuna attinenza con la storia, altre vengono proposte in modo così pedissequo ed approssimativo da divenire solo noiose; persino il fulcro di tutta la raccolta di Wallace, la già citata B.I. #20, viene svilita da una contestualizzazione discutibile e pretenziosa.
Krasinsky non omaggia DFW, si limita a scimmiottare i suoi personaggi o ad “adattarli” alla sciagurata logica della sceneggiatura che ha concepito, e paradossalmente (ma non tanto, a pensarci bene) riesce ad essere lontanamente brillante solo nelle sequenze originali, quelle scritte appositamente per il cinema. Speriamo lo abbia capito anche lui.
Assegnati come ogni anno i premi dell'associazione nazionale dei critici americani: si tratta di un vero e proprio plebiscito per The Hurt Locker di Kathryn Bigelow, film molto apprezzato tra gli addetti ai lavori ma destinato a restare senza celebrazioni mondane - ben poco interesserà all'autrice, aggiungiamo.
Ecco l'elenco dei premi:
Best Picture: The Hurt Locker
Best Foreign-Language Film: Summer Hours - L'heure d'été (France)
Best Non-Fiction Film: The Beaches of Agnes
Best Director: Kathryn Bigelow, The Hurt Locker
Best Actor: Jeremy Renner, The Hurt Locker
Best Actress: Yolande Moreau, Seraphine
Best Supporting Actor (parimerito): Christoph Waltz, Inglourious Basterds, and Paul Schneider, Bright Star
Best Supporting Actress: Mo’Nique, Precious: Based on the novel ‘Push’ by Sapphire
Best Screenplay: Joel and Ethan Coen, A Serious Man
Best Cinematography: Christian Berger, The White Ribbon
Best Production Design: Nelson Lowry, Fantastic Mr. Fox
a cura di Emanuele P. (del 22/01/2010 @ 15:20:47, in Al Cinema, linkato 182 volte)
Sherlock Holmes (Sherlock Holmes) Guy Ritchie, 2009 (Usa, Gran Bretagna, Australia), 128' uscita italiana: 25 dicembre 2009 voto su C.C.
Finalmente Guy Ritchie è tornato a dirigere un film sui suoi sorprendenti standard (Lock and Stock,Snatch), dopo essersi inaridito nelle vesti di Mr. Ciccone e aver collezionato una serie di insuccessi che rischiavano di frustrare le capacità creative di uno dei registi più interessanti della sua generazione. Paradossalmente l’autore britannico è riuscito nell’impresa proprio girando il più “rischioso” dei film possibili, ispirato ad una vera e propria icona inglese del secolo scorso, in decine di occasioni chiamata in causa dalla celluloide: Sherlock Holmes. La più grande intuizione di Ritchie (e soprattutto della sua truppa di sceneggiatori: Johnson, Peckham, Kinberg e Wigram) è quella di allontanarsi dal consueto approccio cinematografico utilizzato per raccontare le avventure dell’eroe inventato da sir Arthur Conan Doyle, che troppo spesso si risolveva in un semplicistico bivio tra l’accurata verosimiglianza o la commedia forzata (miglior esempio di quest’ultimo registro è La vita privata di Sherlock Holmes, scritto e diretto da Billy Wilder).
Questo Sherlock Holmes infatti, pur ispirandosi alle vicende narrate dal medico scozzese, ne modernizza personaggi e rapporti, rendendo la coppia di investigatori quasi più simile ad un consolidato duo di eroi da graphic novel. E l’espediente funziona. In questo contesto la cifra stilistica di Ritchie (montaggio serrato, slow motion, uso personalissimo della linea temporale) viene valorizzata al meglio, così come la coppia di interpreti Robert DowneyJr-Jude Law, che rende i protagonisti pienamente consoni allo spirito del film. Anche la storia, originale, contribuisce a creare il giusto mix di azione e ragionamento, vedendo Holmes e Watson alle prese con le macchinazioni di un Lord (Mark Strong) intenzionato ad impossessarsi del potere utilizzando la magia nera. Ovviamente, essendo il nostro protagonista uno dei paladini del positivismo, ogni cosa potrà essere spiegata razionalmente.
I cultori del Canone (ovvero i quattro romanzi e i cinquantasei racconti attribuiti ufficialmente a Conan Doyle che raccontano delle avventure dell’investigatore più famoso di tutti i tempi) potrebbero storcere il naso di fronte ad un Holmes succube dei sentimenti che prova per una donna (sebbene sia la celebre Irene Adler, interpretata nel film da Rachel McAdams), o che partecipa per puro divertimento a dei combattimenti clandestini, ma queste “licenze” che Ritchie e compagni si concedono sono più che tollerabili di fronte all’intelligente lavoro di caratterizzazione che accompagna ogni personaggio. Finalmente anche Watson, alter ego di Conan Doyle e sempre ritratto (dal cinema) come maldestro e un po’ tonto, diventa prestante, atletico e soprattutto consapevole: non è vittima della eccentrica intelligenza del suo caro amico, bensì ne risulta essere il completamento ideale – pragmatismo, esperienza sul campo, buon senso. E proprio il rapporto tra i due (incrinato dalla presenza di un terzo incomodo, la donna della quale Watson è innamorato, Kelly Reilly) risulta essere il principale fulcro dell’intero film, insieme alla vocazione da action movie che Ritchie ha deciso di conferire alla storia. Ognuna delle concitate sequenze può avvalersi poi del palcoscenico ideale rappresentato da una Londra meravigliosamente stilizzata e ricostruita con le più avanzate tecniche di computer grafica, oltre che del puntuale contrappunto musicale curato dal sempre affidabile Hans Zimmer (Il Gladiatore,Il cavaliere oscuro).
Robert Downey Jr., all'ennesima rinascita, è perfetto per il ruolo di protagonista; il suo Sherlock Holmes è tanto lontano dall’iconografia classica del celebre berretto e dell’immancabile lente d’ingrandimento, quanto vicino all’essenza vera e propria dell’eroe ideato da Conan Doyle.
Probabilmente ulteriori episodi sono già in cantiere (non a caso appare sulla scena lo storico antagonista di Holmes, il professor Moriarty) e c’è solo da sperare che la provvidenziale “furbizia” dimostrata da Ritchie e compagni in questo capitolo li accompagni anche in futuro.
Annunciati nella notte i vincitori della 67esima edizione dei Golden Globe Awards, premi assegnati dalla Hollywood Foreign Press Association. Il sopravvalutatissimo Avatar raccoglie i maggiori consensi con due globi dorati (miglior film e regia), insieme a Crazy Heart (film in cui splende Jeff Bridges ancora inedito in Italia); solo un premio a fronte delle sei nomination per Up in the Air (miglior sceneggiatura per Reitman e Turner) e nessuno per l'atteso Nine, nonostante le cinque candidature. Il nostro amato Quentin Tarantino si consola con il meritatissimo premio a Christoph Waltz (miglior attore non protagonista in film drammatico). Niente da fare per Ba'aria, nella categoria film stranieri trionfa Haneke; ci consoliamo con la inossidabile Sofia Loren. Dexter e Mad Men raccolgono consensi nell'ambito serial tv.
Ecco l'elenco completo delle nomination. I vincitori sono segnalati in grassetto.
Cecil B. DeMille Award Martin Scorsese
Best Motion Picture - Drama Avatar The Hurt Locker Inglourious Basterds Precious: Based On The Novel Push By Sapphire Up In The Air
Best Director - Motion Picture James Cameron – Avatar Kathryn Bigelow – The Hurt Locker Clint Eastwood – Invictus Jason Reitman – Up In The Air Quentin Tarantino – Inglourious Basterds
Best Performance by an Actress in a Motion Picture - Drama Sandra Bullock – The Blind Side Emily Blunt – The Young Victoria Helen Mirren – The Last Station Carey Mulligan – An Education Gabourey Sidibe – Precious: Based On The Novel Push By Sapphire
Best Performance by an Actor in a Motion Picture - Drama Jeff Bridges – Crazy Heart George Clooney – Up In The Air Colin Firth – A Single Man Morgan Freeman – Invictus Tobey Maguire – Brothers
Best Performance by an Actress in a Motion Picture - Comedy Or Musical Meryl Streep – Julie & Julia Sandra Bullock – The Proposal Marion Cotillard – Nine Julia Roberts – Duplicity Meryl Streep – It's Complicated
Best Performance by an Actor in a Motion Picture - Comedy Or Musical Robert Downey Jr. – Sherlock Holmes Matt Damon – The Informant! Daniel Day-Lewis – Nine Joseph Gordon-Levitt – (500) Days Of Summer Michael Stuhlbarg – A Serious Man...
Tra tutti i film di Jean-Luc Godard, Il Disprezzo è stato uno dei meno apprezzati da critica e pubblico, soprattutto nostrani. I baroni del nostro giornalismo specializzato hanno osteggiato oltremodo questa pellicola forse anche perché il cineasta francese (tra i più illustri “genitori” della Nouvelle Vague) scelse di riadattare, con qualche licenza di troppo, un racconto di Alberto Moravia per trasformarlo in sceneggiatura; inoltre una vera e propria mutilazione fu messa in atto ai danni dell’opera originale da parte della distribuzione italiana (produttore Carlo Ponti), stravolgendo il film e comunque privandolo di quella forza figurativa che rappresenta significativamente la cifra stilistica del “primo” Godard.
Una delle peculiarità de Il Disprezzo, che contribuì senza dubbio al suo scarso appeal sul pubblico, è rappresentata dalla totale secondarietà della trama rispetto alla forma: una blasfemia per lo spettatore tipo che vede l’apostata transalpino proporre minuti e minuti di dialoghi privi di spessore o di alcun fine narrativo; dopo il passaggio cruciale dalla surreale sequenza iniziale (tanto cult da divenire pane per scaltri pubblicitari decenni dopo) all’episodio che cambia ineluttabilmente l’equilibrio della precaria coppia Piccoli-Bardot, ognuna delle scene diviene un ridondante esercizio di stile, superfluo, verboso, nel quale spicca solo un memorabile e provocatorio eloquio di oscenità che la Bardot scandisce con simulatissimo candore. Infatti poco importa quanto Paul (Michel Piccoli) tenti di sforzarsi per recuperare la fiducia (e l’amore) della bella Camille (Brigitte Bardot) perché lei lo disprezza, lo disprezza dopo aver compreso quanto sia “sacrificabile” per l’uomo in vista di un possibile guadagno – Piccoli, regista in difficoltà, quasi incoraggia le attenzioni un po’ troppo evidenti che un produttore (Jack Palance) rivolge alla sua giovane moglie.
L’eterno litigio tra i due diviene una coreografica rappresentazione, nella quale più delle parole (vuote), contano le immagini e la loro componente puramente estetica (lo stesso Piccoli, col suo cappello e il sigaro sempre in bocca, sembra una caricatura del regista di felliniana memoria); non a caso questo battibecco itinerante passa dal curatissimo ma sgombro interno di un loft fino al mare e alla costa di Capri, attingendo così alla preziosa bellezza del paesaggio naturale. La “scusa” è quella di un film da girare (e quale altrimenti), affiancando Fritz Lang, che interpreta se stesso, incapace di ultimare con profitto le riprese di un’ennesima trasposizione delle gesta di Ulisse. L’escamotage mitologico consente anche divagazioni, ancora una volta inutili ma indispensabili, su arte e scenari, su scultorei busti di pietra e il blu splendente del mare che circonda la fittizia Itaca. Ad accompagnare la maggior parte delle scene è presente uno stupendo contrappunto musicale, il Theme de Camille di Georges Delerue, che sembra vivere in perfetta simbiosi con le immagini sin dalla prima sequenza-manifesto del film (i titoli di testa “recitati”), e che conferisce al lavoro di Godard una terza dimensione altrimenti inarrivabile.
Il Disprezzo è, insomma, un puro esercizio di stile, che non vuole però ricostruire i canoni di un genere (come il precedente Fino all’ultimo respiro) ma essere invece un inno alla bellezza, un vero e proprio trattato sull’estetica – dal corpo di B.B. all’ideale classico delle sculture, sino ai palcoscenici mozzafiato sui quali si svolgono le ultime sequenze del film, come la pittoresca Villa Malaparte, a Capri. Più che ammiccare con malizia, Godard illumina con la passione di un critico d’arte, prova a mostrare invece di spiegare, lascia all’occhio dello spettatore (e non forse alla mente) il giudizio ultimo sul suo lavoro. Ed è per questo che a quarant’anni dall’uscita, Il Disprezzo mantiene ancora intatta tutta la sua forza ed espressività, slegato com’è dai consueti canoni dell’intreccio cinematografico: potere alle immagini, alla loro forza evocativa. Cosa è il Cinema, se non questo?
Come consuetudine, ecco tutte le recensioni proposte dei film usciti in Italia nell'anno solare 2009. Non tantissime le "soddisfazioni", ma sicuramente un discreto numero di pellicole sopra la media. Voti segnalati su Cinebloggers Connection.
«Quanto odio i festeggiamenti di capodanno... tutti vogliono disperatamente divertirsi, cercando di festeggiare in qualche misera patetica maniera! Festeggiare che cosa?... Un altro passo verso la tomba? Ecco perchè non lo dirò mai abbastanza... qualunque amore riusciate a dare e ad avere... qualunque felicità riusciate a rubacchiare o a procurare; qualunque temporanea elargizione di grazia... Basta che Funzioni...!»
dal film Whatever Works, Woody Allen (2009)
A tutti i lettori, auguri di Buon Natale e Felice 2010!
PS. Come da tradizione, abbiamo aperto un nuovo sondaggio sul film favorito tra le produzioni italiane dell'anno che sta per finire. Il Divo è stato il preferito della scorsa stagione cinematografica, seguito da Gomorra.
a cura di Emanuele P. (del 05/12/2009 @ 18:56:10, in Al Cinema, linkato 505 volte)
Moon (Moon)
Duncan Jones, 2009 (Gran Bretagna), 97’ uscita italiana: 4 dicembre 2009 voto su C.C.
Sono davvero pochi gli attori in grado di interpretare con intelligenza e (soprattutto) talento il difficile ruolo costruito ad arte da Duncan Jones (e Nathan Parker): un perenne monologo impreziosito da diabolici sdoppiamenti della personalità. Per fortuna del giovane regista inglese (all’esordio) e di noi spettatori, Sam Rockwell è fra questi. Interpreta Sam Bell, operaio che in un lontano futuro viene relegato sulla “dark side of the moon” per supervisionare all’estrazione di un prezioso combustibile dal suolo lunare. Il suo mandato dura tre anni, tre anni nei quali avere come unico interlocutore simil-umano un sofisticato computer (al quale Kevin Spacey dà la voce nella versione originale). Un incidente metterà tutto in discussione.
Duncan Jones (finalmente libero dalla ingombrante ombra paterna) sceglie di interpretare in modo personale un genere troppo spesso condizionato da enormi produzioni e sofisticati effetti speciali, nel quale sempre meno attenzione viene dedicata allo sviluppo di soggetti interessanti o alla cura formale con la quale queste storie sono proposte al pubblico. Il suo Moon fa sì riferimento a 2001: Odissea nello Spazio, ma non nel modo banale che una prima impressione potrebbe suggerire (il computer umanizzato, il bianco accecante, l’alienazione dell’astronauta): Jones sposa l’ispirazione di Kubrick, la sua filosofia, il suo approccio sovversivo ai consueti meccanismi narrativi. Le disavventure del povero (o dei poveri?) Sam divengono un mezzo per proporre riflessioni più profonde sull’umanità dell’individuo e sulle sue disposizioni “naturali”, ma anche sui dilemmi moraleggianti che sopraggiungono inevitabilmente di fronte all’evoluzione selvaggia della scienza.
In questo contesto spicca l’interpretazione di Rockwell, uno dei più talentuosi attori della sua generazione, che viene valorizzato esponenzialmente dalla storia (in senso letterale) e può mostrare in pieno tutte le sue capacità. L’ostacolo tecnico rappresentato dalla “moltiplicazione” dei Rockwell in scena viene superato agilmente da Jones e compari, così come è scongiurata col giusto pragmatismo la pericolosa tendenza alla ridondanza di tutta la narrazione, resa scorrevole da intelligenti dissolvenze e colpi di scena ben architettati – molto efficace anche l’inesorabile count-down che punteggia tutto il film e garantisce coordinate temporali oltre che un ulteriore motivo di tensione narrativa.
Nonostante tutti i numerosi pregi di questa apprezzabile opera prima, manca quel tocco di incisività nella storia che avrebbe potuto rendere Moon qualcosa di molto simile ad un film spartiacque per il suo genere – come fu 2001 decenni prima. Ma siamo sicuramente sulla buona strada.
a cura di Emanuele P. (del 02/12/2009 @ 15:33:34, in Al Cinema, linkato 417 volte)
(500) Giorni Insieme ((500) Days of Summer) Marc Webb, 2009 (USA), 96’ uscita italiana: 27 novembre 2009 voto su C.C.
Un giovane architetto (Joseph Gordon-Levitt), costretto per sopravvivere ad ideare biglietti d’auguri, trascorre cinquecento giorni diviso tra felicità, tristezza, bramosia e depressione a causa delle riluttanze che l’affascinante Summer (Zooey Deschanel) mostra nel considerarlo effettivamente l’amore della sua vita. La relazione tra i due diviene frustrante: come affermato a mo’ di “disclaimer” nei minuti iniziali del film, non si tratta di una storia d’amore, ma semplicemente di un ragazzo che incontra una ragazza.
Marc Webb esporta in toto il suo bagaglio “artistico” da regista di videoclip per girare questa commedia romantica, piena di spunti interessanti ma svilita da un’eccessiva quantità di cliché sfacciatamente rubati al presunto cinema indipendente americano. Volendo dimenticare gli insulsi personaggi secondari – la bambina iper-matura e giudiziosa, onnisciente in quanto a relazioni sociali, i due “simpatici” amici piombati dritti dritti da una serie tv degli anni novanta – possiamo identificare nelle interpretazioni dell’ottimo Gordon-Levitt (Sguardo nel vuoto) e della enigmatica/a tratti intollerabile Deschanel il principale punto di forza della pellicola di Webb, sempre pronto ad ammiccare verso lo spettatore con citazioni più o meno raffinate o con divertite licenze stilistiche – il momento musical, quello cartoon, la geniale sequenza in split-screen nella quale si confrontano realtà ed aspettative del protagonista. Lo scontro tra le speranze del povero peluche Levitt e gli impenetrabili occhi azzurri della Deschanel, che accompagnano sempre un sorriso a metà tra dolce e beffardo, occupa disordinatamente la narrazione, un continuum di situazioni dalle quali appare evidente che il martirio emotivo del nostro protagonista è per la maggior parte del tempo coscientemente auto inflitto. Alla storia manca uno sguardo più approfondito su quello che senza dubbio è il personaggio più interessante della coppia (la fuggevole Deschanel), liquidata con la superficiale etichetta di donna incapace d’amare, forse a causa di traumatiche esperienze familiari – non basta davvero il Coup de Theatre finale.
Montaggio serrato, ottimo gusto per la soundtrack (un po’ troppo ripetitiva ma orecchiabile) e la discreta distanza dalle consuete commedie romantiche fanno comunque di (500) Days of Summer un’opera più che sopportabile.
a cura di Emanuele P. (del 29/11/2009 @ 19:08:56, in Al Cinema, linkato 424 volte)
Segreti di famiglia (Tetro) Francis Ford Coppola, 2009 (USA, Argentina, Spagna, Italia), 127’ uscita italiana: 20 novembre 2009 voto su C.C.
Dopo aver girato la terza (inutile) parte de Il Padrino, Francis Ford Coppola deve aver fatto un qualche solenne giuramento a se stesso che lo obbligava, appena raggiunta l’età della saggezza, a dedicare ciò che restava della sua carriera al cinema indipendente, introspettivo, persino troppo d’essay. Da questo punto di vista, Tetro è considerabile il film-manifesto del “nuovo” modo di intendere il suo lavoro.
Coppola infatti, inciampando spesso in autobiografia ed esperienze personali, ci racconta la storia di Angelo Tetrocini (Vincent Gallo), divenuto per tutti “Tetro” dopo il suo volontario e misterioso esilio in Argentina, col quale aveva lasciato il padre (Klaus Maria Brandauer) compositore di straordinario successo, e il fratello minore Bennie (Alden Ehrenreich), che da sempre lo aveva visto come modello da seguire. Proprio la visita a Buenos Aires del giovane fratello prodigo porterà alla luce le spiacevoli verità della vita passata di Tetro.
Coppola sembra cercare ogni espediente per rendere quanto più distante dal mainstream hollywoodiano la sua ultima opera: sceglie il bianco e nero (col prezioso aiuto di Mihai Malaimare Jr., autore della fotografia), affronta tematiche particolarmente complesse, dilata tempi e situazioni sino all’eccesso. L’innegabile maestria con la quale mette in scena la sua tormentata versione di un dramma familiare, riesce a far dimenticare momenti morti e (soprattutto) le numerose lacune della trama, troppo spesso incoerente ed enigmatica. Il palese coinvolgimento emotivo di Coppola nel raccontare questa storia, fa sì che il regista italo-americano perda la proverbiale “giusta distanza” indispensabile per mantenere equilibrio ed efficacia: nelle (dis)avventure di Gallo non è difficile notare gli spettri della vita passata del grande regista. Paradossalmente l’investimento in termini di emozione e intensità non viene ripagato dal suo film, che in alcuni momenti diventa impersonale, freddo, quasi puro esercizio di stile – di grande valore artistico gli intermezzi “a colori”, inconsueti flashback accompagnati da citazioni e ricercati balletti che fanno rivivere il passato di Tetro. Ogni manchevolezza è però resa dimenticabile dalla magistrale qualità con la quale sono concepite e girate tutte le scene, anche quelle meno apprezzabili dal punto di vista puramente narrativo – non fa eccezione la sequenza finale.
Merita di essere menzionata l’interpretazione di Maribel Verdú, compagna di Vincent Gallo nella finzione, vero fiore all’occhiello di un cast composto da attori poco noti (lo stesso Gallo è per definizione una star del cinema indipendente) ma sicuramente capaci.
a cura di Emanuele P. (del 14/11/2009 @ 11:24:36, in Al Cinema, linkato 548 volte)
Un alibi perfetto (Beyond a Reasonable Doubt) Peter Hyams, 2009 (USA), 105’ uscita italiana: 13 novembre 2009 voto su C.C.
C’è una cosa che possiamo affermare, “al di là di ogni ragionevole dubbio”: meglio non far mai incontrare remake, figli d’arte e sceneggiatori incompetenti. Perché il risultato potrebbe essere qualcosa di molto simile a Beyond a Reasonable Doubt. La buon’anima di Douglas Morrow purtroppo non ha potuto ribellarsi allo scempio che è stato ordito ai danni della sua sceneggiatura originale del 1956 (regia di Fritz Lang) da Peter Hyams, registucolo da trent’anni in bilico tra TV e cinema di cassetta; affidandosi al “nome” di Michael Douglas e a qualche inutile e lunghissima sequenza in automobile, l’ultimo film americano del grande autore tedesco è stato trasformato in mediocre fiction – non dubitiamo che un buon episodio di CSI possa avere miglior resa. La storia è quella di giovane reporter “d’assalto” (Jesse Metcalfe) convinto di poter ottenere lo scoop della carriera smascherando un procuratore distrettuale (Douglas) che vince ogni suo caso di omicidio falsificando le prove del DNA ai danni dell’imputato. Il piano del giornalista consiste nel farsi accusare di un delitto del quale può dimostrare con certezza la sua innocenza, in modo da evidenziare la diabolica alterazione delle prove operata dall'accusa. È ovvio che tutto non sarà così semplice, così come è ovvia la presenza di una storia sentimentale, tra un’assistente del procuratore (Amber Tamblyn) e il suddetto giornalista. Colpo di scena nel finale.
Sarebbe quasi irriguardoso citare ulteriormente l'opera di Lang, ma basti solo aggiungere che l’idea alla base di entrambi i film (un D.A. che non rende onore alla “Giustizia”) aveva ben altre implicazioni nella pellicola del ’56, in quanto si poneva anche come una non tanto velata critica nei confronti della pena di morte. Nel caso dell’opera di Hyams invece il soggetto diviene solo un pretesto per poter mettere in scena quasi due ore di banalità, sequenze mal concepite e tanta cattiva recitazione. Quando il film dovrebbe iniziare ad ingranare si spegne, arrivando alla completa morte celebrale durante una inconcepibile ed infinita scena che vede Amber Tamblyn (del lotto, decisamente la più vicina a sembrare un’attrice) ostaggio di una rombante automobile in un parcheggio sotterraneo: per interminabili minuti si nasconde dietro un pilone e il suo demente antagonista (Lawrence P. Beron) si rifiuta di scendere dalla macchina per aggredirla, e preferisce continuare a girare in tondo compromettendo seriamente (sospettiamo) le sospensioni del bolide. Questa sequenza è il manifesto di una pellicola ai limiti della decenza, nella quale anche la più brillante e sottile delle idee originarie si perde, inevitabilmente. Douglas, salvato in precedenti remake dalla altrui recitazione (vedi Delitto Perfetto), sembra un pupazzo pronto al tanto agognato pensionamento; lo sbarbato Metcalfe invece ha l’aria perfetta per gironzolare sul bordo piscina in un video per teenager, ma sicuramente nulla di più – già meglio, ma ci accontentiamo di poco, il suo partner Joel Moore, chiamato a fare il simpaticone della situazione. Film da evitare.
a cura di Emanuele P. (del 13/11/2009 @ 10:53:20, in Al Cinema, linkato 632 volte)
Gli abbracci spezzati (Los Abrazos Rotos) Pedro Almodóvar, 2009 (Spagna), 129’ uscita italiana: 13 novembre 2009 voto su C.C.
L’ultimo film di Pedro Almodóvar dimostra ancora una volta come il regista spagnolo sia uno dei pochissimi cineasti europei in grado di rivaleggiare con le patinate produzioni hollywoodiane (per interpretazioni, qualità tecnica, appeal mediatico), pur senza rinunciare ad un inconfondibile e personalissimo modo d’intendere il cinema.
La narrazione salta agilmente dal 2008 al 1994, raccontandoci delle vicende di un regista di successo (Lluís Homar), divenuto cieco in seguito ad un incidente stradale, e della sua primadonna ed amante (Penelope Cruz), contesa ad un ricco e spietato imprenditore (José Luis Gómez).
Ovviamente, ridotta ad una breve sinossi, la storia sembrerebbe “semplice”, quasi lineare o scontata, mentre invece grazie alla cifra stilistica di Almodóvar (anche autore della sceneggiatura), raggiunge una ammirabile complessità, divenendo prima strutturato melodramma, quindi svagata commedia, infine avvincente giallo d'ispirazione hitchcockiana.
In un mondo dai colori vivacissimi, frutto del sapiente lavoro di un maestro della fotografia come Rodrigo Prieto (La 25ma Ora, Brokeback Mountain, 21 grammi, giusto per citare qualcuno dei film nobilitati dalla sua opera), vengono lentamente alla luce verità celate per anni, misteriosi personaggi difficilmente definibili; sfruttando il navigato escamotage del metacinema, Almodóvar reinterpreta con grande abilità i cliché del genere e regala allo spettatore un godibilissimo divertissement, ricco di citazioni (la più evidente Viaggio in Italia, di Rossellini), di brio, d’equilibrio, di sconfinato amore per il cinema – emblematica la sequenza finale, nella quale possiamo chiaramente identificare il protagonista con lo stesso regista iberico quando afferma che i film vanno terminati, qualsiasi sia la condizione dell'autore. Grazie alla brillante coppia d’interpreti Homar-Cruz ogni scena diviene intensa e credibile, in particolare la Cruz (che a tratti, come spesso le accade durante gli ultimi anni, ricorda incredibilmente Anna Magnani) illumina la scena, artefice di continue e sorprendenti metamorfosi che la vedono diventare ingenua Audrey Hepburn o terribile femme fatale col solo cambiare di una parrucca. Il grande pregio di Los Abrazos Rotos diventa anche il suo unico limite: quella leggerezza e quella radiosa forza che ne caratterizzano ogni scena possono far dubitare sull’effettiva “sostanza” della storia raccontata. Ma nel momento in cui iniziano a scorrere i titoli di coda, questo sembra importare davvero poco.
L’epopea di John Dillinger, celeberrimo gangster dell’America post-Depressione, sembra costruita su misura per essere raccontata con lo stile ostentatamente machista di Michael Mann (primissimi piani, rigide carrellate, maestria nell'orchestrare sparatorie e confusione). Ladro di banche “gentiluomo” – ruba solo i soldi in cassa non quelli dei cittadini coinvolti, tratta quasi con gentilezza gli ostaggi, evita violenza non necessaria –, esperto in fughe impossibili, odiato da FBI e mafia, Dillinger (interpretato dall’affidabile Johnny Depp, un po’ sottotono) gira l’America e sfruttando la scarsa collaborazione tra le forze dell’ordine dei vari Stati, riesce a prendersi gioco di chiunque provi a catturarlo. E’ sfacciato, tanto da mostrare il suo volto al pubblico di un cinema mentre un avviso che lo riguarda viene proposto sul grande schermo o così controllato e sicuro di sé da recarsi nella stazione di polizia di Chicago per curiosare tra gli appunti della task force che lo bracca da anni. Le uniche persone a cui sembra realmente legato sono la fidanzata Billie (Marion Cotillard) e il fedele Red (Jason Clarke) compagno di mille avventure; la sua fine è segnata sin dall’inizio.
In una scena emblematica, Depp ( appena evaso insieme alla sua banda da una prigione di massima sicurezza) scaccia una ragazza che lo supplica di portarla via con sé, verso inevitabili e pericolose avventure. Perché in questo film, come nel bolide di Dillinger, sembra non siano ammessi gli estrogeni: è una storia di uomini duri, spietati, decisi. Da qualsiasi parte si schierino, non importa se il loro aspetto sembri innocuo (Baby Face, Pretty Boy), tutti questi personaggi sono pronti a far fuoco in ogni momento, ad ogni occasione, con il compiaciuto beneplacito di Mann e compagni – da segnalare l’efficacissima fotografia del nostro Dante Spinotti (vedi L.A. Confidential) e la colonna sonora di Elliot Goldenthal. Inaspettatamente è Christian Bale, nel ruolo del segugio incaricato di catturare Dillinger, a sfoderare la più convincente delle interpretazioni, con il suo viso perennemente contratto, le labbra sottili, l’ostentazione di solidi principi ed educazione inappuntabile. Gli fa da contraltare il burocrate Hoover (un ottimo Billy Crudup), con nessuna esperienza sul campo ma idee molto chiare, pronto a tutto pur di sfruttare, anche mediaticamente, l’affaire Dillinger. La recitazione di Depp, dal quale si aspetta sempre una magistrale prestazione, manca invece di intensità sebbene il fuoriclasse americano riesca ugualmente a conferire al carismatico gangster una dimensione convincente, grazie al suo indubbio fascino e, soprattutto, ad un innato talento. L’unica occasione di confronto diretto tra i due maschi alfa Bale-Depp, con quest’ultimo temporaneamente dietro le sbarre, evidenzia proprio come sia il solerte agente FBI a godere di una più funzionale caratterizzazione.
Col passare dei minuti il film diventa una sorta di meditabonda agiografia, continuum di sequenze d’azione ben ideate e girate, ma non mantiene un’unità narrativa apprezzabile. Ben girato, privo di momenti “morti”, intenso: Public Enemies mantiene in pieno le aspettative. Nulla di più.
[disclaimer: pezzo di mero interesse social-culturale, a-cinematografico, lontanamente diffamatorio, spudoratamente ispirato e dedicato a fosterwallaciana memoria].
Una meravigliosa Sachertorte domina dall’alto della sua mensoletta illuminata l’affollatissimo bancone del café (per l’occasione cinephile) posto all’entrata dell’Auditorium di Roma, facendo venire in mente ai vostri corrispondenti sempre in cerca di consone captatio benevolentiae lo sgomento del cineasta capitolino per definizione, NanniMoretti (dimentichiamo volentieri le lontane origini trentine), di fronte a uno sciagurato benpensante che mai aveva avuto modo di assaggiare una fetta della delizia austriaca; perché l’ideale tafazzista del “farsi del male” sembra essere sposato in pieno, quest’anno più del solito, dagli organizzatori della quarta edizione del Festival internazionale del Film di Roma....
a cura di Emanuele P. (del 26/10/2009 @ 17:14:21, in Anteprime, linkato 704 volte)
A Serious Man (A Serious Man) Ethan e Joel Coen, 2009 (USA, Gran Bretagna, Francia), 105’
Il metaforico ed iper-pessimistico intreccio di A Serious Man ha una duplice chiave di lettura.
La prima, più evidente, è quella della black comedy, messa in scena ad arte con personaggi ben caratterizzati e situazioni sopra le righe; la seconda, meno palese, è riassumibile nella massima che il professore (un ottimo Michael Stuhlbarg) enuncia al suo pedante alunno asiatico che tenta di corromperlo con una bustarella: “ogni azione ha sempre una conseguenza”. Teorema che alla fine troverà spietata conferma.
Costruita con la consueta abilità, l’ultima opera dei fratelli Ethan e Joel Coen convince, regalando al pubblico risate ed interessanti spunti di riflessione. Da segnalare la sequenza iniziale, in yiddish, che è significativo prologo di questa moderna “parabola”.
Con Julie & Julia, Nora Ephron conferma le sue apprezzate doti di sceneggiatrice (Harry ti presento Sally) dando vita ad una commedia abbastanza lontana dal mainstream americano quanto a ritmo e sviluppo. La storia si regge tutta sulle sapienti spalle di una straordinaria Maryl Streep – in grado di rendere persino simpatico un personaggio detestabile–, che si contende la scena con l’altra protagonista (Amy Adams) in un continuo intreccio tra presente e passato con un comun denominatore: l’amore per la cucina. Le interpretazioni ispirate mascherano qualche lacuna della ridondante architettura narrativa.
E' giunta al termine la quarta edizione del Festival internazionale del Film di Roma (fu festa del cinema) con la consegna dei premi della critica e del pubblico.
Premio Marc'Aurelio d'Oro della Giuria al miglior film: Brotherskab (Brotherhood) di Nicolò Donato
Premio Marc'Aurelio d'Argento della Giuria alla miglior attrice: Helen Mirren per The Last Station
Premio Marc'Aurelio d'Argento della Giuria al miglior attore: Sergio Castellitto per Alza la Testa
Gran Premio della Giuria Marc'Aurelio d'Argento: L'uomo che verrà di Giorgio Diritti
Premio Marc'Aurelio d'oro del pubblico al miglior film: L'uomo che verrà di Giorgio Diritti
Mouse d'Oro, premio della web-critica cinematografica: Up in the air di Jason Reitman
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